Vintage article series: jsato.org | talk 20040315 – 20041027

水蒸気とちょっとだけ多めの光によって過剰に晒されただけで
向こう側はずるりと剥けて足元もおぼつかなくなり
重力などは半分以下となって視点はいつもより高くなった

今まで闇などと言われて沈殿していた領域から色が浮上し
代わりに表面に付着していた頭の悪そうな色は消し飛んだ
目の前を漂白してまわる気持ちがする

さようなら、青空少年、青空少女

・・・

『Phos 7つの変調』　
●Webにて展開中
●新宿ニコンサロン映像コーナーは2004年11月1日から

[Broken Link : http://valis-declinaison.com/phos/]

junichisato

佐藤淳一【カワウソ写真家】　［著者情報］　実はカワウソに限らない写真家。平成19年度宮城県芸術選奨受賞。主な著書に『恋する水門』（2007年/BNN新社）、『ドボク・サミット』（共著/2009年/武蔵野美術大学出版局）、『カワウソ』（2010年/東京書籍）他がある。展覧会は『ニーダーフィノウの鉄の骨』（2006年/Gallery Maki）、『アートみやぎ2007』（2007年/宮城県美術館）、『カワウソおもろいねん！』（2013年/海遊館）、『大都会の野生カワウソ』（2018年/埼玉こども動物自然公園）他、1995年より多数開催。雑誌『ワンダーJAPAN』、『土木技術』、スポーツ紙『東京スポーツ』で写真と文を連載。『タモリ倶楽部』（2008年/テレビ朝日）、『出没！アド街ック天国』（2012年/テレビ東京）等に出演。「生きることは、見ること」が信条。芸術と研究を足してサブカルで割った「リサーチ・エンタテインメントとしての写真」を専門とし、土木構造物と野生動物という、かけ離れたふたつの領域で仕事してきました。

kohan-studio.com/junichisato

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劇団ミズノオトを主宰する平松れい子さんが、次回公演のフライヤーにわたしの写真を使ってくれている。わたしは演劇は全く興味がないので、どのような傾向の演劇なのかはわからない。冒頭のコピーはメーテルリンク『蟻の生活』からの引用とのことだ。ピンと来た人は見に行かれては。

『ハニュウの宿』
2004年11月21～22日
早稲田どらま館

[Broken Link : http://www.notone.org/]

junichisato

佐藤淳一【カワウソ写真家】　［著者情報］　実はカワウソに限らない写真家。平成19年度宮城県芸術選奨受賞。主な著書に『恋する水門』（2007年/BNN新社）、『ドボク・サミット』（共著/2009年/武蔵野美術大学出版局）、『カワウソ』（2010年/東京書籍）他がある。展覧会は『ニーダーフィノウの鉄の骨』（2006年/Gallery Maki）、『アートみやぎ2007』（2007年/宮城県美術館）、『カワウソおもろいねん！』（2013年/海遊館）、『大都会の野生カワウソ』（2018年/埼玉こども動物自然公園）他、1995年より多数開催。雑誌『ワンダーJAPAN』、『土木技術』、スポーツ紙『東京スポーツ』で写真と文を連載。『タモリ倶楽部』（2008年/テレビ朝日）、『出没！アド街ック天国』（2012年/テレビ東京）等に出演。「生きることは、見ること」が信条。芸術と研究を足してサブカルで割った「リサーチ・エンタテインメントとしての写真」を専門とし、土木構造物と野生動物という、かけ離れたふたつの領域で仕事してきました。

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秋になって、デジタルカメラを使う、それもコンパクトタイプ推奨、というノリの写真の授業をふたつスタートしている。どちらも見かけは、写真の授業というよりコンピュータの授業のように見える。デジタルだからこれは仕方がない。

先週の初授業の時に、キーボードの手慣しと、プリンタの様子見を兼ねて「自分にとっての写真とは？」という授業内レポートを書いてもらった。今それを読んでいたら、ひとりの学生がこんなことを書いていた。こっそり一部、引用する。

「母からゆずってもらった古い一眼レフを首からさげて、高校時代はとにかく写真を撮りつづけていた時期があった。ほんの短い時期だったけれど。写真部に入ろうとしたら、そのころ金色に近い髪の色をしていたわたしや友達は、メガネのちっちゃい顧問の先生にあっけなく入部を拒否された。」

・・・これは一体、何なのだろう。

以前どこかで、自分が中学の時に写真部という組織に感じた違和感と、忌避の気持ちについて書いた。まじめくさって正義をかざし、一定のスタイルを強要する、何か。それはかつてわたしが写真がキライであったことの原因なのだ。それは今思えばリアリズムという戦後の一時期に一世を風靡した、イデオロギーにまみれたちょっとおっかない写真運動の一端に触れた経験だったのだ。それがどうやらいまだに存在するらしいことを、この学生のレポートは告げている。

リアリズムに限らず、かつて興隆した表現スタイルはやがてイデオロギーとなり、規範となり、最後には「道」になり、家元制度になる。たしかにかつて、写真が社会に対して直接的な批判の武器となった時期はあっただろう。それはもはや、有効ではないことをもういちどはっきりと確認したい。もちろん社会批判に意味がないとは言っていない。現代の批判はもっと高度に複雑化したスタイルで成されている。それはたとえ同じ画像を見ていても、読み解くコードが全く違っているということなのだ。つまりそれはかつてフルッサーの言った、画像とテクノ画像の違いと見なしてよいのではないか。もういい加減われわれは、テクノ画像を読み解くコード系を身に付けなければならないということだ。

他の学生のレポートには、この授業を取るためにデジカメを買わされましたが、おもちゃのように使えて面白い、などとあった。このように軽やかに画像を弄ぶことが、今、必要なのではないか。真面目不真面目という二元的な価値判断には、もはやほとんど意味がない。

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佐藤淳一【カワウソ写真家】　［著者情報］　実はカワウソに限らない写真家。平成19年度宮城県芸術選奨受賞。主な著書に『恋する水門』（2007年/BNN新社）、『ドボク・サミット』（共著/2009年/武蔵野美術大学出版局）、『カワウソ』（2010年/東京書籍）他がある。展覧会は『ニーダーフィノウの鉄の骨』（2006年/Gallery Maki）、『アートみやぎ2007』（2007年/宮城県美術館）、『カワウソおもろいねん！』（2013年/海遊館）、『大都会の野生カワウソ』（2018年/埼玉こども動物自然公園）他、1995年より多数開催。雑誌『ワンダーJAPAN』、『土木技術』、スポーツ紙『東京スポーツ』で写真と文を連載。『タモリ倶楽部』（2008年/テレビ朝日）、『出没！アド街ック天国』（2012年/テレビ東京）等に出演。「生きることは、見ること」が信条。芸術と研究を足してサブカルで割った「リサーチ・エンタテインメントとしての写真」を専門とし、土木構造物と野生動物という、かけ離れたふたつの領域で仕事してきました。

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2枚の鏡は、それが角度を付けて並べられたときは、2枚の鏡像を与えてくれる。2枚の鏡に映る自分は、それぞれひとりずつ、合計ふたり、いるように見える。

しかしその2枚が平行になった瞬間、鏡像は1枚になってしまう。1枚の鏡像が、分割されたものになるのだ。像の中身はといえば、ふたりいた自分が、一瞬のうちに重なり合い、ひとりになってしまっている。

●

ハードディスクの掃除をしていたら、去年と一昨年の日記のようなエッセイのようなお知らせのような、それらが一体化したデータがごそっと出てきた。書いては消して、という公開の仕方をしていたので、自分でも書いたことを忘れていたようなものもあり、また、なんだもうこのテーマに関してはちゃんと考えてまとめてあるじゃないか、というような発見もあり、自分で言うのも何だけどちょっとおもしろかったので、1枚のファイルにまとめ直してみた。中身はいじっているときりがないので、リンク切れや主張の矛盾みたいなものもぜーんぶそのまま、ファイルの連結だけして、サイトに上げ直した。左のタイトルリストの最古の「過去の・・・」ところにリンクを加えておいたので、どれ読んでやろうという奇特な方はどうぞ。

●

11月から、新宿ニコンサロンの隣のスペースで行われる、プロジェクションによるグループ展「Phos 7つの変調」に参加します。スケジュールが変則的なので、インフォサイトを参照してください。

→ Phos [Broken Link]

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佐藤淳一【カワウソ写真家】　［著者情報］　実はカワウソに限らない写真家。平成19年度宮城県芸術選奨受賞。主な著書に『恋する水門』（2007年/BNN新社）、『ドボク・サミット』（共著/2009年/武蔵野美術大学出版局）、『カワウソ』（2010年/東京書籍）他がある。展覧会は『ニーダーフィノウの鉄の骨』（2006年/Gallery Maki）、『アートみやぎ2007』（2007年/宮城県美術館）、『カワウソおもろいねん！』（2013年/海遊館）、『大都会の野生カワウソ』（2018年/埼玉こども動物自然公園）他、1995年より多数開催。雑誌『ワンダーJAPAN』、『土木技術』、スポーツ紙『東京スポーツ』で写真と文を連載。『タモリ倶楽部』（2008年/テレビ朝日）、『出没！アド街ック天国』（2012年/テレビ東京）等に出演。「生きることは、見ること」が信条。芸術と研究を足してサブカルで割った「リサーチ・エンタテインメントとしての写真」を専門とし、土木構造物と野生動物という、かけ離れたふたつの領域で仕事してきました。

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連休は4年生の卒業制作中間審査でつぶれた。およそ100人の4年生のうち60人ほどのプレゼンテーションを2日間かけて聞いて、その都度コメントした。美術大学の中でも最近できたばかりの学科なので、学生の取り組む作品のジャンルはかなり多様だ。研究論文から一発芸に近いものまで、それなりに反応しながらほめたり、ダメ出ししたりするのは実に消耗する。何だか「意味を出せ、効果を考えろ」というようなコメントばかりをしきりにわめいていたような気がする。この時期、学生たちが持ってくるプランの多くは、まだ意味が希薄だ。手すさびで何となく見られるようなものを作ってしまえる連中がゴロゴロいるわけで、ぱっと見で何となく見栄えのするもの、単に小洒落たもの、というようなレベルのプランは切って捨てなければいけない。卒業制作という、考えてみると不思議なステージでは、とにかく明確な意味が求められるのだ。

その一方で、自分の写真作品では意味への抗いを続けているのであって、考えるまでもなくこれはかなり皮肉な構図と言わざるを得ない。このところずっと、イメージに濃厚にまとわりつく意味を排除したいと思っている。イメージに寄生する視線の意味、場所の意味、指示対象の意味、様式的な意味、そういったありとあらゆる意味をできる限り削り落ちていくように配慮をし、イメージそのものが「べかっ」と現れ、それに撮った自分が驚くこと。単に無意味っぽい対象が並んでいるのでもなく、意味のある対象を無意味めかした態度で撮るのでもない。かなり重い存在が、しかし意味の一糸すらまとわぬ状態で、ただ現れること。何だか言葉にすればもどかしいばかりだがそんなことが起きるのを期待して、撮る。

意味があるのかないのか、どうやらその点に過敏になっているらしい。本当の意味のなさは、意味があるかないか、そんなことを問題にしないところにあるということは感づいている。だから意味の剥奪を狙うことは逆説的に意味の強化に加担しているということになりかねない。意味を忌避する作品の意味、というようにメタレベルでの意味も発生してしまう。それでもやはり、イメージにおける意味は蹂躙されなければならない。意味を帯びたイメージは、単にその意味に奉仕するだけのものだから。意味のないイメージは何にも役立たず、イメージがあることそれだけに奉仕することになるから。そう、何の役にも立たないイメージを目指さなければいけない、ということなのだ。

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花花緑緑の時に書いた文、消しちゃったのでこっちにコピーしとく。

・・・・・・・・・

先月、41歳になった。この年代だと、よほど裕福な家に生まれているのでない限り、生まれた時に家にテレビは無いはずだ。もちろんわたしの家にもテレビはなかった。しかし幸か不幸か、ものごころついたころにそれは現れる。モノクロテレビとの出会い。まだ小学校前のはな垂れガキはモノクロで描かれた未来に夢中になり［鉄腕アトム］、モノクロの闇に心奪われた［ゲゲゲの鬼太郎］。そしてわずか数年後にそのテレビは一回り大きな、色の付いた画像を見せてくれる機械と交代することになる。1970年代のはじまり、三波春夫の万博音頭に乗ってカラーテレビがうちにもやって来た。

しかし、テレビに色が付いたことは、小学坊主にとって劇的なインパクトを与えたわけでも何でもなかった。それはごくごく当たり前のもののように見えた。何だか今までのモノクロテレビの方が何か特別なデバイスで、カラーテレビこそがテレビ本来のあるべき姿、というように見えたのだ。テレビ放送にしても全番組がカラーというわけではなく、カラーの番組が始まる時にはわざわざ「カラー」というマークが写し込まれていたし、重要度の低い番組はまたモノクロに戻るのだ。受像機がカラーなのに放送がモノクロ、というのは何とも情けなく、不思議な眺めだった。

天才バカボンやら仮面ライダーやらローラーゲームやら、何の役にも立たない番組で小学坊主を楽しませてくれたカラーテレビ受像機は、ある日、映らなくなった。修理人がやってきて、何やらいくつか部品を交換し、いろいろなツマミ（それにしてもあの頃のテレビには何でまたあんなにいっぱい、調整ツマミがついていたのだろう）をいじくって、調整をはじめた。ちょうどたまたまなんだろうが、料理番組をやっていて、皿に乗った生の肉が画面いっぱいに大写しになっていたときのこと、修理人が何かのツマミをいじったら赤い肉が突然、緑色に変わった。それを脇で見ていた小学坊主は、腰を抜かすほど驚いた。肉がうまそうな赤い肉の色に映ることには何も驚かなかったわたしは、それが緑色にもなりえることを知って、それこそ天地がひっくりかえるほどのショックを受けたのだった。

それ以来、カラーテレビを見るとそれが他所の家のものでも、赤い肉を緑色に変えるツマミを探し出しては、回した。大人には怒られた。なにしろカラーテレビは一家に一台の財産である。お天気おねえさんのお肌の色が緑色になっては困るのである。しかし怒られてもそれはしばらくの間、止められなかった（すぐに戻す術を覚えた、というのもある）。とにかく小学坊主のわたしは、ある時期ひたすらテレビの色を狂わせて喜んでいたのだ。

そんなくだらないことを思い出してしまった。肉をうまそうに撮ることにはやはり興味が持てないし、緑色の肉には、気持ち悪いと言いながらも惹かれるものがある。35年たっても、わたしは基本的に進化してないらしい。

【2026.01.30 追記】画像を追加

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夏休み。

引越が済んで2か月にもなるのに、自分の部屋にいまだに段ボールがごろごろしているという情けないありさま。3回の引越の間そのままだった、15年ものの開かずの段ボールを開けたらバイク用のヘルメットも出てきた。少しずつ過去のいろいろなものと対峙するのは、面白いのだけど、やはりちょっと気持ち悪い。自作のピンホールカメラなんかも出てきたので、あちこち動かしてみる。8×10、4×5とも意外にしっかりしててまだ使えそうだ。でも当分使わないだろうと思う。レトロものは爺になってからでも間に合うのだ。

このところの流行なのか、あちこちでピンホール写真の話を耳にする。科学ゴコロをくすぐる楽しい実験、工作としてのピンホール写真というのなら大歓迎だ。実際、ピンホールでのような［穴＝物質の非存在］という状態がもたらした画像に接すると、そのたびに不思議で不思議でもうどうしようもない気持ちになる。天体の運行に対して抱くような、とてつもない大きなシステムがあることへの畏怖のような気持ち、そんなものまでが湧いてくるのである。ピンホールカメラを前にすると、誰でも子供に戻ることができるらしい。

しかし今、この気持ちを不用意に写真家が作品の中に持ち込むことは注意が必要なのではないだろうか。曰く、ピンホールは写真の原点である。デジタルの出現によって混乱状態に陥った写真界において、原理主義としてのピンホール写真・・・ちょっと待ってほしい。

ピンホールは、「カメラ」の原点であることは間違いない。古代、壁の節穴によってできる倒立像を見た工夫好きの誰かが、それを小箱に囲い込んでカメラオブスキュラを作った。いつしかそれにレンズがついて像が明るくなり、感光材料に痕跡を残せるようになる。誰でも知っている写真機の歴史である。

ここで考えねばならないことは、ピンホールだけでは写真は生まれなかった、という点だ。19世紀の感光材料は感度が低く、レンズの明るさがなければ実用的に像を作り出すことができなかった。20世紀になり、写真感光材料は工業的に発達し、現像によって潜像を表出させることができるようになった。今、フィルムや印画紙にピンホールの画像を残せるのは、現代的な高感度の感材ができたためなのだ。つまり、ピンホール写真は、写真表現の歴史において「かなり新しい」ものだと言っていいだろう。エリック・レンナーの名著「Pinhole Photography: Rediscovering a Historic Technique」を読めば、ピンホール写真表現が欧米で一種独特な経緯で成立し、オルタナティブな表現として発達してきたことがわかる。

ピンホール写真が「写真の原点」であるというような物言いは、だから多分に心情的なものだ。デジタル＝複雑で非人間的、ピンホール＝単純で人間的。もしも本当に原点回帰を言うならば、自分自身の原点に戻るのが順当というものだろう。もちろんそれがピンホールカメラという人もいないわけではないだろうが、多くの写真家たちの強力な写真原体験は、レンズのついたカメラによるものだったはずなのだ。ピンホールの画像が面白く見えるようになるのは大人になってからの後知恵のようなものであり、ピンホール写真が価値を持つようになったのは、レンズによる画像が簡単に得られるようになった反作用にすぎないということを、今、冷静に考えてみたいと思う。

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『花花緑緑』、1週間延長します。

イメージの追加はないのだけど、大嶋さんのテクストが積み上がっていくのを、ゆっくり楽しんでください。

それにしても、これまで写真の「色」について語られることが少なかったのはなぜだろう。おそらく銀塩時代には写真の色は産業的なパラメータに依存していて、絵画の色ように作家性に直結するものではなかったからなのではないか。画家がパレットで絵の具をこねるような具合に、積極的に色を扱うことはできなかったのだ。色で構成されたテクノ画像の歴史は、意外に長くないということだ。

自由に色が扱えるようになったといっても、世界を自分の好きな色で染め上げる、ということを考えているのではない。目の前の世界を把捉するにあたって、形状や空間といった理知的な見方を使うのでなく、色を手がかりとすることも可能なのではないか、ということ。そのような認識に基づいて作られる写真において、色は決して装置まかせの成り行き、ということはあり得ない。たとえばある色が強調されて描写されるようなことを不自然と言うことはできない。なぜならわれわれは広角レンズの歪んだ画像をすら積極的に許容しているのだから。

色についてストイックであることがプロフェッショナルであるというような物言いをどこかで読んだ。素人向けのデジタルカメラはぱっと見で鮮やかに撮れる方が売れるからそのようなセッティングになっていて、プロ向けのものは後でどのようにでも彩度のコントロールができるように破綻のない地味な色になっている云々。プロセス由来の理由としてはまったくその通りと思う。撮った画像がどう使われるのかわからない依頼仕事であれば、色を飽和させるようなカメラやセッティングで撮ることはあり得ない。しかしえてしてこれが曲解されるのだ。理由がどこかに吹っ飛んで、結果だけが独り歩きするのだ。素人はど派手な色で、プロは渋い色。この二分法で言ったらわたしはもちろん素人だ。依頼仕事で写真を撮ることなど、少なくとも現在では全くないし、その気ももちろんない。それはどうでもいい。とにかく結果的に派生してしまうこういう類のストイシズムは日本文化お得意の「○○道」に収れんすることが多い。東洋的な極彩色を覆い隠すワビサビの渋い色ということか。

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しばらく前からメールのやり取りをしているウィーンのカスパル・ヴェーバーさんが、自分のトップページで『花花緑緑』の宣伝をしてくれている。うれしいことだ。

http://www.c-u-w.com/ [Broken Link]

彼は30代後半。かつては版画をやり、その後写真に転向し、さらに現在はウィーン応用美術大学でアートマネージメントの学位を取ろうとしているらしい。彼の写真はいかにもウィーンらしい、クラシカルな美学の元に制作されているのだが、どうもわたしとメールをやり取りする前後から様子が変わって来ている。それがこのところの日々の写真からうかがえるのが面白い。しばしばモノクロがカラーになり、構図もちょっと軟化。それより何より、毎日写真が上がるようになった点が最大の変化だろう。去年の秋にリトアニアのイグナスと100日間国際コラボレーションをやった時にも、相手に対して同じような変化を感じた。構図が崩れ出し、対象との関係性が自由になり、色が意識の俎上に上がるようになる。そんな変化だ。彼らにしてみればわたしなどは「東洋のデジタル色キチガイ」に過ぎないはずだが、何か「今までとは違う感覚」というようなものを受け止めてくれているのではないかと思えなくもない。

カスパルは、わたしのいい加減なリンクをたどって小林のりおや高橋明洋のサイトにたどりつき、かなり面白がっている様子だった。いずれウィーンで日本の同時代の写真（いわゆる現代写真、ではないよ）の展覧会をマネージメントしたいと言っているので、大いにその動きを期待しておくことにしよう。しばらくは行けそうにないが、いずれウィーンでうまいビールを飲んでやるぞ。

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本日スタートです。
覗いてみてください。

佐藤淳一 Web Exhibition
『花花緑緑』
2004年7月25日（日）～8月7日（土）
Art Collective Media Declinaison

> > > Art Collective Media Declinaison [Broken Link]

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